[A]rctic [M]onkeys

El tiempo de sweater, chomba y timidez terminó hace mucho ya, ¿qué permanece de los chicos de Sheffield? quizás lo único intacto de sus comienzos es la impronta inglesa tan característica, esa arrogancia que creció junto con el grupo y ahora los peina hacía atrás al estilo teddy boy. Pero más allá de esto lo certero sería preguntarse qué pasó con el movimiento inglés que apareció a comienzo de la década pasada que tanto prometieron y tan poco a quedado de ello. The Libertines, Bloc Party, Franz Ferdinand y Kaiser Chiefs fueron las promesas de la década, con excelentes primeros discos, pero como suele suceder con las bandas indie y el efecto "éxito del primer disco" o problemas externos a la banda (The Libertines) quedaron en la historia de la música o sus nuevos LPs no son lo que deberían ser.
Sin embargo, quienes si pudieron resistir todos los altibajos, de publicar nuevo material, fueron los Arctic Monkey. Con Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006) intentaron hacer el Is This It británo, pero no tuvieron en cuenta que The Libertines años atrás ya lo había logrado con resultado sobresaliente, aún así es un excelente material, no tuvo muy buena recepción de la critica pero si en el publico, es mi disco favorito. Le siguió Favourite Worst Nightmare (2007) donde afianzan el estilo Monkey y ya para Humbug (2009) se ponen sobre ellos el rock como estandarte, abandonando la cultura indie para no volver, cosa que queda clara en Suck It And See (2011), el disco más rockero.
En AM, el quinto disco de estudio, fue lanzado el 9 de septiembre bajo la discográfica que los custodia desde su comienzo, Domino Records. Fue grabado entre agosto del 2012 y junio del 2013, cuenta con las colaboraciones de Josh Homme (Queens of the Stone Age), Bill Ryder-Jones (exguitarrista de The Coral) y Pete Thomas (baterista de Elvis Costello). Fue producido por James Ford (productor de discos anteriores de los Monkeys) y co-producido por Ross Orton, grabado en Los Angeles y en el Rancho De La Luna en Joshua Tree, California.
La canción que abre AM es Do I Wanna Know?, que sigue la corriente que venían trabajando en Suck It And See, sonido duro, casi crudo, rudo; donde la guitarra y Alex se hacen ver, además de unos coros que dan en el clavo, y una letra de desamor "¿Quiero saber/ si este sentimiento fluye en ambos sentidos?". RU Mine? es el segundo tema del disco, que también sigue con la linea rockera de Suck It And See, pero a diferencia de Do I Wanna Know? la batería de Matt Helders está más presente, hipnotizando desde los primeros segundos. Los dos primeros temas son muy sexuales, sucios, hablan de placer, de cuerpos, donde se nota la influencia de Josh Homm, "Y la satisfacción parece un recuerdo distante/ Y no puedo evitarlo/ Todo lo que quiero escucharle decir es/ ¿Sos mío?" dice en R U Mine?.
La sorpresa viene en la tercer pista, One for the Road, un estilo R&B del cual no hay antecedentes en material anterior, ellos mismos lo definen como “juguetear con Dr. Dre y G-Funk”. El falsete de Josh Homme da comienzo a la canción y se mantiene todo el tema, acompañado de una guitarra que domina tu mente, se suma la voz de Alex que nos deja, en tres minutos y escasos segundos, embobados. A One for the Road le sigue Arabella, donde toman algo de blues para el comienzo pero a medida que avanza se nota que aún estamos en territorio del R&B, sobre todo en el estribillo y coros, y por momentos parece salido de algún barrio de Nueva Orlean, por la influencia de la cultura negra.
I Want It All es el tema más pesado del disco, el más denso y oscuro, al estilo Queens of the Stone Age, pero a su vez se acercan al rock de los 60's y 70's. El track seis es una de las cosas que más deseaba de los Arctic, que hagan algo lento, y así es No. 1 Party Anthem, aunque es engañoso el nombre (suena a David Guetta). Acá se ve la influencia del soundtrack que hizo Alex como solista para la película Submarine (2010) y tiene como antecedente Piledriver Waltz, Cornerstone y 505, pero en este caso se animan al piano en vez del órgano (505) y la interpretación de Alex se alza como una de las mejores de toda su carrera. Una balada melancólica que recuerda a John Lennon pero con la impronta y el sello del britpop de los 90's, con una letra que cuenta una historia al estilo Monkey, moderna, el lado b de la cultura joven: "Carcelá la búsqueda de tu alma/ O ponela en suspención" "No es como que me esté enamorando/ Sólo quiero que me hagas ningún bien". A esto le sigue Mad Sounds (otro nombre engañoso), que continua la linea pausada de No. 1 Party Anthem, pero acá escuchamos la influencia de The Velvet Underground como puntapié, pero también se asoman The Rolling Stones y Lou Reed.

Fireside corta con la melancolía y con guitarra de Bill Ryder-Jones de The Coral, la intro me recuerda mucho a La Caution de Thé à la Menthe, y para quienes hayan escuchado The Age of the Understatement de The Last Shadow Puppets notarán cómo influencia a Alex en este tema, esta es la única en su tipo en el disco, ya que a esta le sigue Why'd You Only Call Me When You're High, pero no por mucho, con sólo dos minutos y algo acaba para dar comienzo a Snap Out of It, tema con mucho instrumento, voces y piano, donde se nota otra vez la influencia de Josh Homme. Knee Socks está casi cerrando AM y arranca tipo Why'd You Only Call Me When You're High, con esa linea, pero a medida que avanza sorprende, después de los dos minutos, quizás el momento más R&B del disco y que habla de "Bueno, curaste mi tristeza de enero/ Yeah, lograste que todo fuera bien/ Tengo la sensación de que podría haber encendido la mecha/ que intentaba no encender". 

I Wanna Be Yours cierra el disco de una manera excelente, entre nostalgia. Un poema del legendario John Cooper Clarke sirve para la letra de una de las mejores canciones, ya no del disco, sino de toda su discografía; instrumentos minimalistas, y la ejecución de Alex nos lleva a una intimidad acogedora:  "Quiero la aspiradora/ Respirando tus cenizas/Quiero ser tu Ford Cortina/ Nunca me oxidaré/ Si te gusta el café caliente/ Dejame ser tu cafetera" "Quiero ser tu fijador/ Para mantener tu pelo en profunda devoción/ Al menos tan profundo como el Oceano Pacífico/ Quiero ser tuyo".
El disco presenta momentos de álgido rock, transmitiendo placer, sexo, oscuridad y rudeza, pero a la vez baladas pop donde dejan ver la desnudez de cuatro jóvenes de Sheffield que muestran sus sentimientos. Me recuerda el arte de tapa a Uunknown Pleasures de Joy Division, pero donde ahí es ríspido y aspero en AM es sensual y seductor.



Lo mejor: RU Mine?, No. 1 Party Anthem, Fireside,Knee Socks, I Wanna Be Yours

Puntaje: 8.1

Je t'aime

Amour

 

 

 Dirección y guion: Michael Haneke

Fotografía: Darius Khondji

Países: Francia, Austria y Alemania 

Año: 2012

Duración: 127 min

Género: Drama

  Amour es la ultima pelicula de Michael Haneke La cinta blanca (2009) La profesora de piano (2001) Funny Games (1997) uno de los mejores directores europeos de estos tiempos. Se puede decir muchas cosas sobre este film y, aun así, se quedaría corto todo adjetivo que intente describir una de las mejores películas del 2012; pero aún así siempre es valioso el intento de transformar en palabras los silencios.

  Georges y Anne son dos profesores de música y están casados desde hace mucho tiempo. Todo cambia cuando Anne tiene que realizarse una cirugía, la cual sale mal, y la deja paralizada del lado derecho. Esta le hace prometer a su marido de nunca llevarla a un hospital o asilo. Georges intenta cuidadar de ella, pero a medida que empeora, se le dificulta el abordaje de las situaciones que se le presentan.

 ¿Qué es el amor? ¿Qué es el amor incondicional? ¿Cuáles son sus limites? ¿Qué es la vida? los padres, los hijos, enfermedad... pero sobre todo cual es la frontera entre la vida y la muerte. ¿Qué sucede cuando una persona tiene una enfermedad que borra todo rasgo de humanidad? ¿Qué pasa cuando esa persona es un ser amado? ¿Cómo se carga con ello? Haneke pone a prueba el amor en esta película nominada a los oscar. 

Brillantes interpretaciones de Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva y Isabelle Huppert, acompañados de una soberbia fotografía y banda sonora. Los diálogos son exquisitos, y el guión deja mas espacio a los silencios que a las palabras. 

-no seguir leyendo si no se la vió-

El director nos va mostrando como Anne lentamente pierde todo aquello que la hace ser quien es, pero a su vez nos muestra una mujer tan real, tan cercana. Anne paulatinamente se va destrozando (en el sentido psiquico), su orgullo de mujer, sus pasiones, su belleza, todo se consume, en un deterioro existencial afónico.

Memorable el momento cuando Georges cambia a Anne de la silla de ruedas a la silla, donde da la sensación que danzan lentamente al compás de la desgracia en la que lentamente se ven sumerguiendos, rozando la mirada casi como recién enamorados que temen verse a los ojos.

¿Qué otra acción podría haber tomado Georges ante la muerte interior del ser que más amaba? solo le quedaba el asesinato, ese salto a la liberacion infinita de Anne, como a la paloma, que la retuvo por un momento, pero la dejó en libertad. Pero no hay que caen en metarealismos, porque deja claro Michael Haneke, al final de la cinta, que no se trata de una liberación para un mundo mejor, sino a la nada, al vacio, como los cuartos, solitarios.

¿Qué clase de pajaro sos?

 

 

Moonrise Kingdom

 

Dirección: Wes Anderson.

País: USA.

Año: 2012.  

Duración: 95 min.  

Género: Comedia dramática

Guion: Wes Anderson y Roman Coppola.

Wes Anderson nos lleva a los sesenta, al mundo de un niño scout huérfago, experto en supervivencia, al cual sus padres adoptivos deciden que no vuelva de su estadía en la isla de Nueva Inglaterra, y una niña que ve el mundo a través de sus prismáticos. Con tan solo doce años se enamoran a primera vista y no dudaron en escaparse para llevar sus sentimientos hasta las ultimas instancias y obligar a toda a isla a una persecución interminable.
Moonrise Kingdom (Un reino bajo la luna) es un universo de ensueño, de nostalgia de tono ocre y baile playero, donde el primer amor parece durar eternamente, siempre dulce pero sin empalagar. Todo el film parece rozar el surrealismo, la fantasía, adentrarse en los cuentos que narra la niña del gato, Suzy, con un humor tan fino, tan delgado, que no provoca sonrisas, sino una estado anímico de emoción de "todo esta bien ahora, lo quiero así, eterno".

Acompaña a la cinta, una fotografía exquisita y una banda sonora acorde a los paisajes simetricamente armonicos, y con un elenco certero, algunos fetiches de Anderson y otros que recién arriban a este creador tan personal como el gorro de piel y anteojos le son propios al boy scout, Sam.
Estos dos niños son un problema para todo su al rededor, Sam no lo quiere su familia suplente, debido a su terrible comportamiento -peleas, incendios-, a lo cual deciden dejarlo en la isla, barado, a la deriva. En cambio Suzy naufraga en un mar de emociones incomprensibles para ella -no tiene remordimiento luego de apuñar a un niño con tijeras- y cuyos padres no saben que hacer con ella - el libro que se lleva de su casa como recordatorio del fracaso de sus padres "coping with  the very troubled child"-. Su escape es un llamado de atención "queréme como soy, así de rara", pero también es a su vez una manera de darse la libertad, un acto rebelde, atándose en un matrimonio auspiciado por el kiosquero del campamento.
Simplemente fantástica, fresca y bella.

El lado positivo

Silver Linings Playbook

Dinámica, divertida, dramática.
Silver linings playbook es la última película de David O. Russell ( The Fighter ). Cuenta con un admirable elenco, pero sobre todo con una brillante actuación de Jennifer Lawrence, muy sutil, fina, aguda, casi desapercibida por la personalidad del papel que encarna, la mejor del 2012.
Supersticiones de un padre violento en secreto, madre insípida, amigo agobiado pero que solo se lo confiesa a su amigo (el cual no ve desde hace meses) y los protagonistas, inestables emocionalmente, pero lo que plantea el film es ¿quién no lo está?
Pat (Bradley Cooper) es explosivo, violento, pero luego de casi matar al tipo que se cogía a su mujer fue internado en una institución mental, después de meses sale, con su cuerpo transformado en Bradley Cooper, pero con la intención de recuperar a su mujer, quien no quiere saber nada sobre él, para ello cuenta con la ayuda de su nueva amiga, Tiffany. 
Tiffany (Jennifer Lawrence) es una mujer que ha perdido a su marido y que aun no puede superar el dolor, que explota erráticamente a lo largo del film, pero que utiliza el sexo para lidiar con ello, como una moneda de cambio, para mantener a los sentimiento al margen, en regla, para así tener cierta estabilidad en su vida, porque es algo que ella puede controlar, los hombres. 
Lo interesante de la historia es su cotidianidad, sus personajes son seres comunes y corrientes, es una cuestión de detalle, en la sutileza, porque recrear una persona "normal" es mucho mas difícil que realizar un personaje que tiene cualidades diferencias o padecen alguna enfermedad.
El lado bueno de la cosas, viene a pedir que tomemos la mierda con la que estamos sumergidos todos los días y ver como hacer de ello algo que nos haga mucho mas humanos, extremando lo positivo de casa situación en el caso de Tiffany, superar la muerte de su esposo y poder entablar una relación más honesta, más sincera con las personas. En cuanto a Pat, aceptar que su mujer lo ha dejado y que todo el tiempo que estuvo encerrado ella lo olvidó. Ojo, no hay que confundirse, él es un héroe, solo que comienza siendo un antihéroe, luego de hacer el camino hacia la redención es donde se descubre lleno de posibilidades. 

Girls

acabo de terminar de ver la primer temporada de Girls, la nueva serie de HBO, y la verdad que no me decepcionó. Creada, dirigida, escrita y protagonizada por Lena Dunham.
a ver, no es una novedad la trama, un grupo de chicas veinteañeras en la ciudad de NY con un grado de comedia respetable. Lo interesante (es donde le da en el clavo Lena) es la construcción de los personajes, muy bien logradas, donde en cada episodio se nos muestras no solo una visión novedosa de la mujer sino también un pedazo de NY. Tras su película Tiny Furniture donde explora una arista femenina desde una óptica muy particular, la mujer del siglo veintiuno, vuelve a repetir la receta para Girls.